Поделись с друзьями:

«Мастера и муза. 25 лет вместе» – так называется альбом, вышедший в честь 25-летия творческих взаимоотношений краснодарской Художественной галереи «Сантал» с кубанскими художниками и писателями. Двадцать пять художников и целый ряд поэтов представлены на страницах издания в самых разных жанрах: автопортреты, жанровые композиции, пейзажи. На минувшей неделе в «Новой газете Кубани» состоялась презентация выхода в свет этого фолианта. Учитывая личности участников презентации, их активную жизненную позицию, разговор вполне предсказуемо перерос в дискуссию на тему «Время. Художник. Общество»

Галина Ташматова, главный редактор «НГК»: Выпуск этого альбома, без сомнения, является поводом для того, чтобы поделиться мыслями о времени, в котором оно произошло. Художники адресуют свои произведения вечности, пишут их для людей. Хотелось бы услышать от наших гостей оценку, насколько сегодняшнее время приспособлено для творчества, насколько оно благоприятно?

Сергей Воржев, художник: Лучшее время случается каждый день. Утром приходит в мастерскую художник и начинает творить: изо дня в день, из года в год. Вычленять лучшее или худшее время – значит гневить Хроноса. Любой художник должен верить, что его лучшая картина еще не написана. Когда он приходит в мастерскую и начинает работать, он должен верить, что сегодня он создаст самую лучшую свою картину, а значит это и будет лучшее время в его работе. Если же смотреть с обыденной точки зрения в смысле благополучия, условий существования, то это с творчеством никак не связано. Бывает, что это благополучие художнику начинает мешать. И напротив, череда встрясок, экономических, социальных потрясений, например, может заставить его искать новые формы и более успешно работать. Если смотреть с позиции свободы творчества, то в 90-е, казалось бы, наступило время, когда действительно поменялось многое в жизни, когда была открыта полная свобода. Но, как ни парадоксально, приобретение этой абсолютной свободы привело к тому, что многие люди растерялись и утратили способность к активному творчеству. Я помню брежневскую эпоху, во времена запретов, списков, которые вывешивались в Союзе художников, где партия перечисляла темы, на которые мы должны творить. В то время художники бурно жили, создавали какие-то неожиданные вещи, было очень сильное молодежное направление. Часть художников, действительно, соответствовала требованиям партии, а другая часть была абсолютно свободной в своем творчестве. А сейчас художники, особенно молодые, в состоянии растерянности, у них отсутствуют мощные целевые установки. Попытки подражания какому-то авангардному направлению, к сожалению, неплодотворны. Идет уже в тридцатый раз повторение каких-то обсосанных, обгрызенных идей, начиная еще с 60-х годов на Западе. В общем, можно сказать, что современный авангард истощился и сейчас мы сталкиваемся просто с компиляцией. Современное искусство разделилось на много мозаичных кусочков, те разделились на еще более маленькие. Может, в чем-то это и хорошо, когда масса художников сбивается в большую стаю, зачастую это не приводит к увеличению мощи каждого за счет количества окружающих. Иногда это похоже на стадо баранов, у которого есть новый пастырь, уже не коммунистический, а какой-то иной идеологический пастырь, который это стадо потихоньку гонит в определенном направлении. К сожалению, многие художники в это стадо баранов охотно вливаются: в нем они относительно быстро становятся известными, но это происходит не за счет роста самого ремесла, а за счет фокусов каких-то, попыток удивить. Но ведь оригинальность сама по себе не является самоцелью. Она вытекает из высокого, очень высокого уровня ремесленного искусства. Если мы вспомним историю художественного искусства вообще, то нужно понимать, что художник должен быть, прежде всего, ремесленником, и уже потом его ремесло достигает таких высот, что попадает в копилку мирового искусства. И я считаю, что этот принцип остался и по сей день. Сейчас мы наблюдаем постепенное выздоровление: видим стремление вернуться к каким-то этническим моментам в искусстве, к корневым элементам. Как растение, оторванное от корней, неизбежно засыхает, так и художник, отрезанный от великого искусства прошлого, начинает просто оригинальничать, потому что ничего другого не остается. 

Галина Ташматова: Если сравнивать современных кубанских художников с Москвой, с художниками дальнего зарубежья, в чью пользу, на Ваш взгляд, будет это сравнение?

Сергей Воржев: Искусству не важно, в провинции оно находится или в центре. Не место красит человека, а человек место. Возьмем Италию периода Рассвета, такие, как Верона, Падуя, Флоренция: в каждом городе были центры великого искусства. И это ведь явление было планетарного масштаба в мировой культуре. Так что не важно, провинция это или столица, мы, художники, так же, как и поэты, и музыканты, делаем провинцию столицей!

Времена потихоньку меняются к лучшему, и я думаю, что мы займем достойное место. И власть разворачивается лицом к искусству, и люди из бизнеса тоже проявляют к нему интерес. Инициатор создания этого чудесного альбома Нина Антоновна Стрижова в течение многих лет способствует развитию кубанского искусства, покровительствуя кубанским художникам, многие из которых, я уверен, без ее помощи не состоялись бы. Для того чтобы создать картину, нужно иметь кисточку, краску, в которую ее нужно погрузить, и холст, на который нанести. И то, и другое стоит очень дорого, для многих молодых художников эти цены недоступны. Нина Антоновна оказывает художникам не только материальную поддержку, но и организует выставки. Сейчас на территории отеля «Бристоль» в Краснодаре создается «Арт-Центр». Это будет выставочное пространство и одновременно мастерская для молодых художников. В сентябре мы открываем новый выставочный зал, где будем проводить большие интересные выставки.

Галина Ташматова: Мало открыть выставку, нужно еще создать атмосферу, чтобы люди полюбили ее. Нужно, чтобы там работали люди, влюбленные в искусство, подвижники, такие, как Нина Антоновна Стрижова.

Сергей Воржев:  Естественно. Город очень талантливый. Многим молодым ребятам, с которыми мы будем работать, сейчас сложно. Поэтому одним из главных направлений нашей деятельности будет и материальная помощь выставочной деятельности, и организационная.

Галина Ташматова: Усилия отдельных энтузиастов-одиночек в развитии культуры края хоть и заметны, но они погоды не делают. Как говорит Нина Антоновна: «Поливая из лейки, мы поможем единицам, тогда как искусству нужен благодатный дождь».

Сергей Воржев: Это не ко мне вопрос, а к людям, у которых есть деньги, хотят ли они вкладываться в искусство? Никто не просит их деньги просто так вкладывать, но хотя бы пусть дадут возможность художникам зарабатывать на краски, кисти и на холст, чтобы они могли творить. Я своим ученикам как могу, помогаю, но я все же художник, а не бизнесмен. А хотелось бы видеть помощь от достаточно серьезных людей, чтобы они в этом поучаствовали, создали какие-то коллекции или хотя бы помогли в поддержании их духа.

Галина Ташматова: Власть должна создавать условия для развития культуры и оказывать поддержку ее деятелям. Что вы думаете об этом альбоме, чем он отличается от того, что выходило до сих пор?

Сергей Воржев: Нина Антоновна выпуском этого альбома толкнула камушек, который может спровоцировать лавинообразный процесс. Она оказалась самой смелой и самой мудрой, потому что первой догадалась выпустить подобное издание. Будем надеяться, что это послужит примером для остальных меценатов.

Галина Ташматова: Художник создает картины, зачастую не имея официального места работы. Иногда при жизни его не признают, не покупают. Получается, что государство вынесло его за скобки, предусмотрено хотя бы пенсионное обеспечение для тех, кто целиком и полностью отдается творчеству, не имея вынужденных подработок?

Сергей Воржев: Вот вы правильный вопрос задали. Раньше мы работали в комбинате, а сейчас художники, по сути, безработные, как бы сказали в советские времена, тунеядцы. Хотя они и работают, и зарабатывают. Нужно, конечно, как-то узаконить их статус. А то есть примеры, когда художник с мировым именем участвует и в региональных, и в общероссийских, и международных выставках, но у него нет никаких прав, никакого статуса. Нужен закон «О творчестве». Человек, который занимается творчеством, работает не для себя, он создает искусство, прославляя свой регион, страну. Надо давать ему определенные права: не важно, состоит он в Союзе художников или нет. Раньше очень мудро было сказано в уставе Союза художников СССР: «Человек, создавший произведение искусства, имеющее самодостаточное значение, имеет право быть принятым в Союз художников СССР». Хорошая картина – она равноценна научному открытию, даже более того, потому что искусство в отличие от науки неповторимо.

 

Татьяна Соколинская, искусствовед: Если говорить о Времени для художника, то нужно помнить, что никакая картина ни с того, ни с сего не рождается: она всегда отражает главную идею своей эпохи. Так Александр Иванов, в своем великом творении «Явление Христа народу» отражает одну из главных идей своего времени – идею народа. Но для того, чтобы создать подобное творение, надо долго учиться: не бывает так, чтобы кто-то без образования создал вдруг что-то необыкновенное. Недаром у древних греков не было своей музы для изобразительного искусства, потому что оно проходило по категории ремесла «техне». Если великий поэт мог по наитию писать стихи, то картину по наитию не напишешь. Нужно учиться, и лучше всего – у мастеров. В целом, художники, живописцы как мастера формируются годами, набирая свой творческий потенциал. Как и писатели, поэты, они создают тексты, которые могут быть востребованы в данную эпоху, а могут и нет. Были художники, известные и любимые в свое время, потом их забыли. Мало кто знает, что во времена Пушкина величайшим поэтом считался Владимир Бенедиктов и лишь единицы осознавали истинный размах Александра Сергеевича Пушкина. Если смотреть журналы того времени, второй половины 19 века, то мы увидим столько имен художников, которых мы и не знаем, их даже и специалисты-то плохо знают. Они были востребованы, а сейчас остались совсем другие люди, но именно они отразили свою эпоху наиболее полно и своеобразно. Что касается искусства Кубани, оно тоже прошло через все это. И тот расцвет, что у нас был в 90-е годы, те идеи, которые тогда возникли, тоже были не все востребованы в свое время. Тогда было проще выбирать себе учителя, художники разъехались по всему миру, кто-то осел в Париже и в Москве, но всем было достаточно художественного образования, полученного на Кубани для признания. В начале 2000-х годов также появилась плеяда очень талантливых людей, которая, к сожалению, стала затихать. Очень многие уходят в дизайн, поскольку живопись, к сожалению, в наше время менее востребована…

Сергей Воржев: Быстрые деньги…

Татьяна Соколинская: Дизайн – это просто и всем понятно. И с одной стороны, это можно понять, все хотят жить красиво, но все-таки то завоевание мирового художественного процесса, которое именуется словом «картина», выражает самые главные идеи эпохи. Василий Кандинский, который считается родоначальником дизайна, по сути, отказался от понятия живописи, тоже дал мощнейшую идею. Сегодняшний дизайн – это во многом его заслуга, и этим путем пошло большинство художников двадцатого века. Кроме того, изменилась парадигма художественного искусства как такового: многие художники сейчас становятся многоязычными, выражая свою мысль в разных жанрах, пробуют себя по-разному. Даже если мы возьмем Пикассо, то у него четко прослеживаются разные периоды, которые он никогда не смешивал. А сейчас это уже реальность сегодняшнего дня.

Галина Ташматова: Что стоит за творческими метаниями современных художников?

Сергей Воржев: Это топтание белого снега, когда мастер забредает на территорию, которой ранее не касалась нога другого художника. То есть существует некая «Ойкумена», арт-реальность, которая уже «потоптана», где художники, условно говоря, «бегают друг за другом», повторяют друг друга. И вдруг кто-то ступил на нетоптаный край. Так появляется новое слово в искусстве, и это, безусловно, здорово. Художники уже устали от повторения одного и того же, от попыток удивлять. Они хотят расширения своего пространства, побегать по этому снегу, «потоптаться».

Татьяна Соколинская: Сегодняшнее искусство четко делится на тех, кто пытается экспериментировать, и на тех, кто продолжает творить в традиционном направлении, в каком-то одном выбранном для себя стиле.

Сергей Воржев: И непредсказуемо, что с ним будет дальше. Как с Рембрандтом, которого забыли на долгое время, а потом импрессионисты его открыли.

Татьяна Соколинская: Да что там Рембранд! Вот Сергей Яшин... Писал натюрморты, живя в Петербурге, потом в Краснодаре. После перешел к авангарду, начал что-то писать свое.

Сергей Воржев: Недавно ко мне пришел человек, который искал эти натюрморты, «раннего Яшина».

Татьяна Соколинская: Да, я заметила, что публика отстает примерно лет на десять или даже на пятнадцать. И то, что казалось смелым в 90-е годы, сейчас ценится больше, чем то, что делается сейчас. И вот часто про какого-то художника говорят, что он исписался, а потом проходит время и оказывается, что все нормально. Но не через десять-пятнадцать лет все будет ясно, а эдак лет через сто…

Сергей Воржев: Сито времени все время в движении, и все, что выпадает из него, забывают. Что-то остается, но остается мало.

Татьяна Соколинская: Я была в Москве на художественной конференции, на Пречистенке. И не зная, откуда я, московские искусствоведы начали говорить о формировании региональных направлений. То есть они там это только заметили, что я заметила еще 25 лет назад. Но я это, видимо, тогда стихийно, интуитивно осознала, а логически поняла это только сейчас. Когда вся наша советская действительность ушла, произошла поляризация, и это в каком-то смысле хорошо, потому что мы почувствовали себя уникальными. Это явление родилось в 90-е годы: кого-то это сломало, кто-то сменил стиль работы, кто-то ударился в авангард коммерческий. Вообще, искусство – вещь трудная, по-настоящему больших художников мало. К тому же искусство – это в большей степени мужская работа, тяжелая. А сейчас сколько процентов мальчиков учится на худграфе? Десять?

Сергей Воржев. Меньше. Около пяти процентов. Но я с вами тут не согласен категорически. Женщин талантливых гораздо больше, чем мужчин. Вот у меня, среди моих учеников, есть два очень талантливых парня: один мальчик двенадцати лет – настоящий гений. И еще один, ему уже лет под тридцать. И при этом есть семь девчонок, просто загляденье. Если им дать возможность работать, это будет что-то невероятное. Они уже сейчас выдают в свои двадцать пять лет вещи, которые я не мог создать в сорок лет, они гораздо мощнее меня. Они это еще не осознают, но я-то вижу. А вы говорите, что они менее талантливы. Да более талантливы!

Татьяна Соколинская: Я не сказала, что женщины менее талантливы. Я сказала, что настолько тяжелая, суровая и мужская работа, что продолжать творчество до 70 лет очень сложно.

Сергей Воржев: Кстати, в сентябре в музее Коваленко будет открыта выставка моих учеников, будет возможность посмотреть, что они в своем возрасте от 20 до 30 лет создали. Там будут самые разные направления. Есть у меня девочка, последовательница Тициана. Ко мне на выставки приходят уже опытные художники, лет под пятьдесят, они долго стоят у этих картин, разглядывают, пытаются понять что-то для себя.

 

 

Сергей Ладожский, обозреватель «НГК»: Хочу затронуть интересную тенденцию. Вы вот говорите об индивидуальном творчестве, о развитии художника как личности. А сейчас появилась тенденция к оформлению так называемых арт-группировок, создающих свои инсталляции совместно. И это все очень модно, но за ними исчезает, размывается личность художника как такового. Не считаете ли вы, что эта тенденция может убить в художниках индивидуальность?

Татьяна Соколинская: Индивидуальность не может быть убита, если, конечно, эта индивидуальность есть. Относительно тех людей, которые занимаются инсталляциями. Есть, например, два замечательных художника: Павел и Наталья Мартыненко. Они делают совершенно гениальные вещи, притом что они не «интернационалисты». Они, грубо говоря, «кубаноиды»: считают, что есть Кубань, и что это самое прекрасное место на Земле. И тем не менее, используют этот язык инсталляции, чтобы выразить это свое отношение. И они не одни такие.

Сергей Воржев: Сейчас в связи с новыми технологическими возможностями появились различные направления, такие, как лазерные формы, одновременно применяются приемы живописи, графики, динамического искусства, театра. И это хорошо, это тоже правильно – пусть цветут все цветы. Нужно понимать, что это естественно, что это развитие, которое нельзя направлять искусственно, какими-то идеологическими посылами. Это как вода, ручьем потекла и потом будет течь там, где есть возможность, постоянно подпитываясь новыми источниками. Так же и тут – личность развивается в том направлении, в котором есть возможность развиваться, потенциал. Искусство – это целостное явление, и люди, которые им занимаются, творят будущее. Пройдет время, и от нашей цивилизации останутся только предметы искусства. Так вот, создавая что-то, нужно учитывать, чтобы это осталось навсегда. Что осталось от Египта, от Месопотамии, от античной Греции? Великое искусство мифов пронзает наше искусство до сих пор. У меня очень цельное восприятие античной эпохи: космогоничной, великолепной, которая меня подпитывает своими соками. И так же Египет меня питает, да и пещерное искусство – величайшее из искусств человечества, оно по мощи все перешибает. Люди были тогда, как дети, они только гениальное делали. Ведь что может быть мощнее детского творчества?

Сергей Ладожский: Те же художники, о которых я говорю, часто позиционируют свое искусство как своеобразное выражение протеста, вызов обществу, власти.

Сергей Воржев: Прежде, чем вызов бросать, пусть хотя бы, я извиняюсь, тетку голую научатся карандашом рисовать. Зачастую за этим вызовом ничего не стоит, просто пустота. Кому бросают они эти вызовы, под которыми нет фундамента, нет прочной основы, нет ремесла?

Галина Ташматова: Власти, обществу бросают, нам с вами.

Сергей Воржев: Тогда это не вызовы, а замануха для мух, клейкая лента. За этим «вызовом» ничего нет.


Владимир Яковлев, художник: На мой взгляд, времена не меняются – меняются власти, политический строй, что-то еще. Но для художника всегда время остается тем же, пока он работает. Несмотря на все перипетии, художник должен творить, пренебрегая запретами. Лично для меня смена времени была положительной. Хотя бы потому, что моя живопись оказалась востребованной, я мог на ней зарабатывать. Мне не нужно было где-то фиктивно числиться, работать в сферах, далеких от искусства, как это было в СССР, и при этом выкраивать время, чтобы заниматься творчеством. А вообще, искусство – это такая же профессия, как и сталевар, учитель. В изобразительном искусстве происходят такие же процессы, как и в науке: постепенное накопление навыков и знаний, потом их обобщение и качественное изменение, взрыв.

Галина Ташматова: Этот альбом – тоже результат накопления творческой энергии поэтов, художников, меценатов, критиков Кубани? Его выход может сыграть роль катализатора изменений?

Владимир Яковлев, художник: Безусловно, этот альбом – знаковое явление в культуре Кубани. Появление подобного альбома в советское время было бы немыслимо. Этот альбом вне времени и вне человека. И то, что бизнесмен Нина Антоновна осуществила этот проект, дает нам всем надежду. Интерес в обществе к культурным ценностям начинает просыпаться. Он, как связующая нить, которая не позволила прерваться связи поколений в изобразительном искусстве Кубани конца прошлого века и начала нынешнего.

Галина Ташматова: Воспринимать Нину Антоновну Стрижову просто как «человека бизнеса», на мой, взгляд, неправильно. Скорее, она подвижница, меценат...

Татьяна Соколинская: Третьяков, как и многие другие меценаты, которые были людьми бизнеса, создавали свое представление о мире. Тот же Третьяков что-то покупал, что-то продавал и создавал свою коллекцию. Мы на эту коллекцию теперь смотрим и понимаем, такой была его эпоха. Сколько было художников: десятки, сотни? Но о них никто ничего не знает, потому что их в свое время не приобрели подобные меценаты.

Сергей Воржев: Энергия времени каждый год меняется, и каждый раз художник это фиксирует. Они эту энергию времени сохраняли. Чувствуешь, когда идешь по Эрмитажу: одна эпоха, другая. Искусство – это некий аккумулятор энергии времени, энергии любви, энергии Бога. Искусство – это кусочки Бога, запакованные и переданные последующим поколениям, которые потом питают души миллиардам людей.

 

 

Нина Стрижова, галерист: Я не творец. Как мне кажется, искусство должно быть позитивным. Если оно человека образует, питает его, делая культурным, то это настоящее искусство. На чьей стороне должен быть художник? Как он должен подать этот свой взгляд на мир, чтобы, глядя на его работы через сотню лет, человек понял душевные переживания автора, его эмоции, философию? Я художников делю для себя по этому принципу. Не всех я готова выставить в своей галерее, притом, что разные люди просят. Я принципиально сделала свою площадку бесплатной. Приглашаю на выставки учащихся школ, студентов летного училища, университета МВД и т.д. Считаю важным привлечь молодежь к позитивному восприятию своего края, своей страны. Мы давно уже спокойно относимся к тому, что наши футболисты играют то за одну, то за другую страну. А почему тот же летчик за большие деньги не может работать на другое государство на своем самолете? От этих аналогий порой становится страшно. Посредством изобразительного искусства молодые люди на выставках проникаются чувством гордости за свою страну, чувством ответственности за ее будущее. Для многих из них это первое в жизни посещение картинной галереи, художественной выставки. Молодость восприимчива к свету, к прекрасному. Нужно распахивать перед молодежью двери музеев, концертных залов, выставок, уводить из сомнительных кальян-баров, вечеринок с пошлыми вывесками «Мам, я буду в хлам!». Нужно дать понять молодым, что выбор у них есть: приобщиться к мировой культуре или сползать на дно жизни.

Галина Ташматова: Удивительно то, что Вы, Нина Антоновна, частный предприниматель, выполняете по собственному желанию и на собственные средства государственную задачу – воспитываете молодежь с помощью культуры, в частности, живописи, литературы, музыки. Открытие каждой выставки – это сплав нескольких видов искусства, некий новый творческий синтез, который и порождает ту особую камерную атмосферу, которая привлекает в Вашу галерею не только людей искусства, но и тех, кто к нему тянется. Это своеобразный клуб ценителей культуры, некая общность людей, которым комфортно в этой среде. Если быть совсем уж точным, то это островок, прибежище муз в суровом море действительности, плохо приспособленной для развития искусства. А если это прервется, закроется?

Татьяна Соколинская: Никто не закроет. Потому, что галерист, как и художник, искусствовед, абсолютно уникален. То, что он делает, никто не сможет сделать.

Галина Ташматова: То есть галерист – это все-таки творчество?

Татьяна Соколинская: Конечно, это творчество.

Сергей Воржев: Тяга к искусству у россиян в крови. Нужно только подождать, когда у нас сформируется средний класс, и тогда, рано или поздно, люди сами станут приобретать предметы искусства, сами потянутся в эти галереи, и это станет по-настоящему массовым явлением.

Сергей Ладожский: Вот тут говорили про позитив. Но позитив сейчас непопулярен у молодежи, она более падка на негатив, потому что в позитив норовят вложить пропагандистские нотки, что отторгается молодежью. Поэтому молодежь скорее идет смотреть картины, где ужасы, насилие, а не, допустим, Микеланджело или Караваджо.

Татьяна Соколинская: Ходили бы, не сомневайтесь. Привезите Караваджо в Краснодар, и увидите, сколько на него пойдет, в том числе и молодежи.

Сергей Ладожский: Хорошо, но вот к вам, например, Нина Антоновна, много ходят?

Нина Стрижова: Преимущественно на открытие ходят: из университетов, из училищ.

Галина Ташматова: В кабинетах судей можно увидеть коллекции художественных фотографий, сделанных ими самими, чиновники издают сборники собственных стихов. Это становится модным, в обществе просыпается понимание того, что культура, искусство – это высшая форма существования человечества.

Сергей Воржев: Знаете, как я говорю: «От сумы, тюрьмы и от творчества никто не застрахован». Ко мне приходят люди, лет за пятьдесят, пытаются что-то рисовать, ходят, занимаются.

Владимир Яковлев: Эта книга – еще один шаг к просвещению – о кубанском искусстве. Здесь столько разных работ, различные подходы, разная техника, разнообразные жанры, а модель одна – Нина Антоновна. Собранные в альбоме портреты – не самоцель, а способ показать таких разных художников, наших современников, особенности каждого. Аналога подобному изданию я не встречал, повторить его вряд ли кому-то удастся. Потому, что в основе этого альбома – кусок жизни художников Кубани и их ангела-хранителя Нины Антоновны длиной в 25 трудных лет.

Татьяна Соколинская: В городе Кельне, где живет 800 тысяч жителей, одиннадцать государственных музеев занимаются изобразительным искусством. У нас музеев, мягко говоря, меньше. Вообще, на сегодняшний день такие люди, как Нина Антоновна, заполняют то, что должно делать государство: сохранение современного культурного наследия, а не только собирание того, что было создано много лет назад. Но для того, чтобы наша власть поняла, что это необходимо, нужна серьезная культурная политика и понимание того, что это необходимо.

Галина Ташматова: Александр Ткачев обещал четыре года назад построить в Краснодаре музей современного искусства, в тот день, когда оскандалился Гельман со своей выставкой.

Татьяна Соколинская: То, чем занимается Гельман, – это не то, что сейчас нужно. Нужен не музей современного искусства, но музей современного искусства Кубани, это большая разница. Мы должны собрать то, что ребята делают здесь. К сожалению, сейчас те, кто заканчивают художественные училища, сразу уезжают с Кубани. Причем, уезжают самые талантливые. У нас очень талантливые люди, много творческих личностей.

Сергей Воржев: Нигде не пишется так легко, как на Кубани. На Кавказе находятся врата между мирами, здесь особенное место на планете. Эти врата некогда были закрыты, но энергия оттуда идет до сих пор и питает своими соками творчество.

Галина Ташматова: Наша встреча подходит к концу. Вы, художники, работаете на вечность, а мы, журналисты, на сегодняшний день. Я надеюсь, что этот день прожит не зря. Альбом, который стал отправной точкой нашей сегодняшней встречи, и мысли, высказанные здесь и сейчас по его поводу, лягут на сердце нашим читателям и напомнят им о том, что среди заевшего быта нужно находить время для общения с высоким искусством. И уж если не служить ему, как делает это Нина Антоновна, наши уважаемые гости, то хотя бы поддерживать и ценить. Огромное всем спасибо за искренность!

Записал Денис ШУЛЬГАТЫЙ

 

 

Мир моей мамы
Надежда Старкова:


– Галерея «Сантал» на протяжении многих лет занимается реализацией проекта автопортретов художников и следует четко выверенной концепции. Этот альбом – наш совместный труд, и мы решили его выполнить в несколько оригинальном ключе. Ведь в нем соединились не только взгляды художников на самих себя, но и на модель – женщину, предпринимателя, галериста, созидателя – мою маму Нину Антоновну Стрижову. Сколько я себя помню, она общается с художниками и писателями, участвует с ними во многих творческих проектах. Энергия моей мамы заразительна, она постепенно обратила в свою веру меня, своих внуков. Работая вместе с мамой над этим альбомом, я поняла, почему она вдохновляла мастеров кисти на написание ее портретов с натуры и по памяти. За долгие годы общения была собрана большая коллекция маминых портретов, выражающих различные авторские взгляды. Все эти работы, составившие галерею одной модели, по праву заслуживали отдельного проекта, и мы его сделали! Работа окончена. Тревожно немного от того, как воспримет ее читатель. Я же ощущаю чувство причастности и гордости за мою маму. Очень много людей внесли свою лепту в формирование этого необычного издания, кто советом, кто одобрением, кто дружеской поддержкой. За годы своего существования «САНТАЛ» сплотил вокруг себя много друзей: художники, искусствоведы, писатели, редакторы, дизайнеры – все восприняли работу над альбомом, как нечто личное, близкое, важное, созидательное. Поэтому можно с уверенностью сказать, что альбом «Мастера и муза. 25 лет вместе», действительно, является результатом, прежде всего, добрых, творческих и человеческих отношений людей, которые стремятся совершенствовать этот мир.

 

 

Комментарии:

добавить комментарий

Ростислав родом из Кубани 14.07.2017 16:37
Воржев, Стрижева, Соколинская, какие имена, сколько сказано и еще больше читается между строк. Давно не читал с таким удовольствием о кубанской культуре. Спасибо. Бьется еще мысль в моих земляках, ратуют они за свое родное. Разослал эту статью своим землякам ныне живущим за рубежом. Что и говорить Кубань богата не только природой, но и незаурядными людьми. Оказывается на этом сайте так много интересной информации, жизнь то у моих земляков бьет ключом. Теперь я буду вашим собеседником. В Риме живу вот уже 9 лет и очень скучаю по родному когда то краю.
ответить на комментарий
Наташа 15.07.2017 15:00
Каждое новое издание художников это уже событие, особенно для тех, кто избрал своей профессией служение искусству. Это еще и повод, чтобы напомнить о великом его предназначении - служить красоте и гармонии. Творец создал мир, а художник приближает его к каждому человеку.
Искусство может нести в общество позитивные установки, помогать бороться с социальными пороками.
Считаю, что этот альбом будет полезен особенно молодежи, напитает той созидательной энергией, которую несут авторы работ.
25 лет тоже значительная дата в истории новой России, где мир искусства развивался вопреки всему по своим вечным законам.
ответить на комментарий
Светлана Макарова -Гриценко 15.07.2017 16:29
С большим интересом прочитала материал. Большой серьёзный и очень нужный для всех нас разговор состоялся в редакции газеты! Повод - уникальное издание "Мастера и Муза" - событие в культурной жизни нашего края, я нисколько не преувеличиваю, поверьте! Эта книга произвела на меня огромное впечатление. В ней синтез художественного и поэтического искусства - красота и мудрость, мысль и чувство, быстротечность и безграничность времени! В ней - взгляд женщины, подарившей вдохновение самым талантливым творцам, живущим ныне на Кубани. И как тут не задуматься о главном, истинном, что и должно присутствовать в жизни человека. Спасибо создателям книги за многолетнюю работу, любовь к ближнему и огромную ответственность за происходящее здесь и сейчас.
ответить на комментарий
Владимир Романов – поэт, прозик, член Со 16.07.2017 07:37
Так получилось, что стараниями Нины Антоноыны Стрижовой я стал участником этого замечательного проекта, о котором идёт речь в беседе, а ознакомление с содержанием самой беседы наталкивает на некоторые мысли.
Оттолкнёмся в своих рассуждениях вот от этого посыла Сергея Воржева: "...Если смотреть с позиции свободы творчества, то в 90-е [...] была открыта полная свобода. Но [...] приобретение этой абсолютной свободы привело к тому, что многие [...] утратили способность к активному творчеству. Я помню брежневскую эпоху, во времена запретов, списков, которые вывешивались в Союзе художников, где партия перечисляла темы, на которые мы должны творить. В то время художники бурно жили, создавали какие-то неожиданные вещи, было очень сильное молодежное направление. [...] А сейчас художники, особенно молодые, в состоянии растерянности, у них отсутствуют мощные целевые установки. Попытки подражания какому-то авангардному направлению, к сожалению, неплодотворны..."
Когда-то мной были написано стихотворение "Кредо художника":

Художник должен быть слегка голодным,
ну, а поэт – хотя б чуть-чуть бездомным:
когда творишь, ты должен быть свободным
и даже где-то, может быть, нескромным.

Нескромной может быть свобода мысли,
но не свобода в смысле эпатажа,
а если каждый шаг тобой осмыслен,
тебя во лжи не вывалять как в саже…

Не разводить любимых "тараканов",
а взнуздывать строптивого Пегаса,
вставать тогда, когда всем прочим рано,
и мыслить, мыслить до седьмого часа…

Лить мысли в полотно, вязать их в строки,
презрев покой уютного ночлега…
А вы мне – про какие-то там сроки,
что Бог отвёл для моего забега!

В конечном итоге художник, будь то живописец или писатель, призван своим творчеством отражать нюансы эпохи и в первую очередь по его творениям, а не по архивным документам – это удел узких специалистов, рядовой потомок – обыватель, если угодно, в конечном итоге познаёт прошлую жизнь и находит ответы на животрепещущие для него в настоящем вопросы. И если посмотреть именно с этой точки зрения, то станет понятно, какова мера ответственности живописца, но! Но художник-то должен быть лишь "слегка голодным", а не стоять на паперти!
И молодой художник (поэт, прозаик) прежде должен учиться у великих, а для этого, как ни странно, нужно предварительное образование, т.е. познание тех основ, на которых зиждется общая культура, чтобы тяга к самоутверждению не выливалась в примитивную пачкотню на городских поверхностях – я имею в виду т.н. граффити – или в использование собственного тела в качестве холста в процессе нанесения всевозможных татуировок. И здесь снова позволю себе процитировать Сергея Воржева: "…Прежде, чем вызов бросать, пусть хотя бы, я извиняюсь, тётку голую научатся карандашом рисовать. Зачастую за этим вызовом ничего не стоит, просто пустота. Кому бросают они эти вызовы, под которыми нет фундамента, нет прочной основы, нет ремесла?"
И наконец, когда я задумываюсь о роли государства в поддержании творческого люда, то поневоле вспоминается вопль героини из мудрой кэрроловской сказки: "Эй, правительство!". А ещё вспоминается, как взошёл недавно на совфедовскую трибуну один из представителей культуры и после исполнения скрипичного этюда популярно объяснил сенаторам, что если увеличить финансирование этой самой культуры хотя бы на 1 (один!) процент, то от этого выиграли бы все отрасли, включая сельское хозяйство! Потому что не может неандерталец от культуры создать ничего приличного кроме разве что кремниевого ножа...
И ещё стоит согласиться с Ниной Антоновной (дай ей Бог здоровья и оптимизма в её подвижничестве!), что искусство должно быть позитивным, поскольку на "чернухе" и безвкусице, которой мы вдоволь накушались в 90-е и которую (безвкусицу) продолжаем потреблять сейчас, можно вырастить только разнузданное и ни во что не верящее общество. А без веры в "разумное, доброе, вечное" что за жизнь?
ответить на комментарий
сергей иванович 16.07.2017 09:32
25- лет это срок не малый. Для культурного учреждения, основанного частным лицом, собственными стараниями и способностями срок огромный.
«Сантал» за это время стал маленьким культурным центром, где проходят не только выставки картин, К «Санталу» тянутся и молодые художники, и маститые мастера, и музыканты, и поэты, и любители живописи, и коллекционеры, и люди которым не безразлична культурная жизнь города.
Вряд ли это было возможно в наше время если бы не талант хозяйки галереи.
Девиз «Ты должен украсить этот мир» вполне подошел бы для галереи «Сантал».
Галерист не профессия, это скорее состояние души и, немножко, бизнес. Это занятие сродни, искусству вообще, и живописи, и музыке, и литературе.
Людей, имеющих этот редкий дар очень мало — единицы. Но они есть и таким человеком является хозяйка галереи Н. А. Стрижова — за что ей огромная благодарность.
Здоровья и удачи Вам Нина Антоновна, творческих успехов, да именно творческих успехов и процветания.
ответить на комментарий
Сергей Дудко - художник 16.07.2017 16:33
Огромное спасибо газете за эту публикацию! Полностью поддерживаю мнение коллег, с удовольствием присоединяюсь ко всем их высказываниям!
Мои искренние поздравления замечательной Нине Антоновне Стрижовой - издание альбома "Мастера и муза. 25 лет вместе" событие для Кубани воистину эпохальное, ведь даже к 75-летнему юбилею Краснодарского краевого отделения Союза художников России ничего не было напечатано, а тут такое издание на собственные средства частного лица!.. Спасибо, Нина Антоновна, за многолетнее бескорыстное служение кубанскому искусству, за постоянную поддержку творцов, за непрерывную эстетическую, культурно-просветительскую работу с молодёжью! Проводимые Вами выставки, бесплатные и для художников и для зрителей, в наше жестокое прагматичное время - чудо! Вы помогаете художникам создавать красоту и дарить её людям.
ответить на комментарий
Наталья Щурик 17.07.2017 13:25
Поздравляю галерею "Сантал", давнего моего партнера по проекту "Кубань в лицах" с изданием книги! Знаю, как давно Нина Антоновна мечтала о ней. И вот книгу можно уже посмотреть. Особенно ее украшает большой мемориальный блок - фотографии с мероприятий, в которых участвовала или которые организовывала галерея, которые она собирала, как трепетный краевед. Желаю Нине Антоновне жизненных сил, энергии для воплощения в жизнь, уверена, еще многих важных проектов!
ответить на комментарий
Наталья БЕДНАЯ 17.07.2017 13:46
Мне посчастливилось несколько лет подряд посещать мероприятия, проводимые в художественной галерее «Сантал». Неизменно греют душу впечатления от этих встреч, которые воспитывают культуру духа.

«ПОЭЗИЯ СНЕГОВ»

В художественной галерее
«Сантал»

Дыханье замирает на пороге
От предвкушенья встречи. Тихий зал.
Здесь забываются свои тревоги –
Творениями радует «Сантал».
Становятся светлее наши лица:
Завьюжило пейзажные поля,
С полотен улетают с криком птицы,
К землице клонит ветер тополя…
Поэзия снегов с картин стекает:
По нашим тонким душам – ручейки.
Художников, поэтов дух витает.
Звучат стихи невзгодам вопреки:
«Санталу» быть у жизненной реки!..»

г. Краснодар
04.04.2012
ответить на комментарий
Мира Михайловна, журналист, преп. КубГУ 17.07.2017 15:07
Безусловно, та работа, которую пропагандирует Нина Антоновна вместе с художниками заслуживает уважения и поддержки. Искусство является частью нашей жизни, нашего мировоззрения, мировосприятия. И оттого как оно нам, особенно молодому поколению преподносится, зависит будущее нашей страны, нашей семьи, наших поступков. Через этот взгляд на мир мы становимся лучше. Мои студенты с огромным удовольствием посещают мероприятия в ХГ "Сантал". Если в другие культурные учреждения города немногие идут, то в "Сантал" на живую связь с художниками стопроцентная активность. Немаловажный плюс - мероприятия проходят бесплатно. Напитавшись позитивом, они мне говорят: "Мира Михайловна, я тоже хочу быть Музой", на что я им отвечаю: "Главное вы уже хотите, потом вы сделаете все, что и вашим делам, поступкам художники будут посвящать свои творения. Портреты наших матерей, бабушек и дедушек - это тоже, как я их называю, святые талисманы. Правнук увидев лицо прабабушки, по ее очертаниям может разгадать ее деяния, ее красоту, поинтересоваться историей рода. Портрет - это живой рассказчик в красочных тонах". Спасибо Нине Антоновне за проект "Мастера и Муза". Он имеет глубинный смысл.
ответить на комментарий
Алексей Некрасов 17.07.2017 18:03
Рад душевному творческому разговору. Горжусь своими творческими земляками. Хочется, чтобы такие разговоры были чаще, с вовлечением широкого круга художников, поэтов, писателей, всех людей, неравнодушных к развитию нашей культуры
ответить на комментарий
Владимир Архипов, член союза писателе РФ 19.07.2017 11:16
Все мы признаемся в любви к жизни, но не каждый из нас подтверждает благородные слова конкретными делами.
Наша милая Нина Антоновна! Вы - яркий пример неугасимого служения своему делу, безграничной любви к человеку, всеобъемлющей любви ко всему прекрасному в нашей суровой действительности.
Выход вашей книги "Мастера и Муза. 25 лет вместе" имеет историческое значение для творческой Кубани. Ваше сердце поведало миру о плодотворном союзе кубанских поэтов и художников. Вы в течение четверти века пестовали этот союз творческих сердец и теперь ваши усилия принесли живительные зримые плоды.
Я верю, что ныне живущие и благородные наши потомки по достоинству оценят ваш жизненный подвиг. Ваша книга - это памятник нашей романтической эпохе. Она должна стать настольной книгой для школьников, студентов и всех творческих людей. особенно она будет полезной для уроков Кубановедения.
ответить на комментарий
Людмила Бирюк, писатель 19.07.2017 14:51
Когда я перелистываю художественный альбом "Мастера и муза", меня не покидает ощущение праздника. А их так мало в нашей жизни, трудовой и трудной. Спасибо художникам за то. что творчеством своим напоминают нам о том, как прекрасна земля и на ней человек. Спасибо "Санталу", за то, что открыл двери для тех, кому дорого высокое искусство!
ответить на комментарий
Ирина Михайловна 20.07.2017 12:44
Еще в 18 веке Дени Дидро сказал: «Два качества необходимы художнику: чувство нравственности и чувство перспективы». Ведь как здорово сказано! Искусство конечно же живет во времени, но на любом этапе оставляет за собой удивительную способность – воспарить над земными страстями.
Бог помогает своим посланникам увидеть перспективу, возвышая их сознание, делая мудрее.
История оставит у себя не многих, но важно уже то, что путь настоящих художников один – стремление поработать на историю и создать свою лучшую картину.
Думаю лучшее время для художника, когда его могут понять при жизни, это радует, а значит продлевает и так короткий земной путь. Художнику не так много надо, он может прожить без излишеств, даже откажется от еды в пользу холстов, кистей и красок. Мысль ведь имеет свойство появляться самым неожиданным образом и потребовать воплощения, а художник должен быть к этому готов.
Галине Васильевне Ташматовой особая благодарность за поднятую тему, за мудрость и доброту души.
ответить на комментарий
художница 21.07.2017 08:04
Поздравляю Н.А. Стрижову с новым проектом! Желаю здоровья и новых творческих свершений.
Хотелось бы, чтобы в государственных учреждениях культуры было бы такое внимательное и профессиональное отношение к художникам, как это делает Нина Антоновна.
ответить на комментарий
Ирина Абрамова 21.07.2017 14:39
Художник призван и не может он свернуть с этого пути. Что бы не происходило вокруг.Птица летит и змея ползет по своим божественным законам.Талантливых людей очень много везде и всегда.Творчество очень хорошо помогает преодолеть все препятствия..Давайте относиться очень бережно и уважительно к талантливым людям и к тем,кто их поддерживает.Это окажет неоценимую помощь всем нам.Нина Антоновна,прекрасный проект.Спасибо.
ответить на комментарий
Краснодарец 23.07.2017 11:01
Очень интересный проект. Замечательное начинание.
ответить на комментарий
Надежда Никулина 25.07.2017 10:39
О работе Оноприенко В.А.
К портрету "Лето"

Два портрета, два секрета -
Сам художник и модель.
Муза творчества одета
В элегантную пастель:
Средь цветущего пространства
Превлекательный "Цветок",
Васильковое убранство -
Светлой радости виток.
И сама природа дышит
Обояньем естества,
А художник пишет, пишет -
На вершине мастерства.
ответить на комментарий
Наталья БЕДНАЯ 25.07.2017 19:54
Держу в руках альбом «Мастера и Муза. 25 лет вместе», любезно подаренный мне Ниной Антоновной, и я искренне радуюсь выходу научно-популярного издания, уникальному событию в культурной жизни Кубани.
В 25-летней истории художественной галереи «Сантал» – «История портретов и портреты историй». На страницах альбома посвящение кубанским художникам и поэтам, людям искусства; отражение духовного мира, в котором накоплено понимание прекрасных глубинных явлений искусства. Страницы альбома излучают свет, озаряющий наши души.
Несомненно, альбом «Мастера и Муза, 25 лет вместе» станет неотъемлемой частью истории Отечества вместе с авторами, создавшими эту историю.
ответить на комментарий
Искусствовед Костигина 27.07.2017 00:36
Я тут, в связи с круглым столом НГК, прочитала
открытое письмо (тогда) Президенту Р.Ф. Медведеву Д.А. в Государственную Думу художника Григория Дембовского (Август 2010 г.) и статью «Политические мотивы искусства» Александра Александровича Власкина, да и внимательно прочитала вопросы и ответы участников стола. Много полезного и правильного все написали и сказали. Кто всё это предложенное делать-то будет? Для кого все эти речи ? Для Михайленко, Саркисовых, артиллеристов, или кто-то из министерства это будет делать? Кто? Частные лица, такие как Нина Антоновна, пытаются охватить то, что не делает министерство со своими вассалами. Но у неё нет ни тех средств, ни людских ресурсов, которые потянули-бы и весь обрисованный оббьем. А ведь такие как Нина Антоновна должны быть дополнением к политике в искусстве Кубани, а не коренниками. Они должны вычислять те ниши, которые ещё не охватило министерство. А тут у нас всё наоборот. И выставки художников и пропагандистская деятельность – договора с военными училищами, институтами и др. учебными заведениями. Она , хрупкая женщина взвалила на себя и просвещение молодёжи – во как!!! А где же вассалы министерства? Они чем занимаются? С меня требовали приводить в зал 25 человек ежедневно. Кто так теперь работает?
Теперь о художнике и его задачах. Да, да и настаиваю на этом, у художника-гражданина должны быть задачи. Я глубоко убеждена, что Советское искусство было человечным и о Человеке, человеке сильном и стойком к «бурям», инициативном, решительном, смелом, доброжелательном, трудолюбивом и т.д. можно много писать положительных эпитетов и всё наше искусство воспитывало именно таких людей – и литература, и изобразительное искусство, и кино. Только недоброжелатели всё советское искусство мажут дерьмом. Сравним. Сегодня только те могут создавать картины, кто получил образование тогда. Получившие его сегодня создают картинки для интерьеров – это практически дизайн.
Я согласна с Домбровским в этом его высказывании: «Изобразительное искусство может служить и служит идеологии государства. Идеология – важнейшая часть государственности, отсутствие идеологии, это тоже идеология, но действующая против государства и народа (добавлю, деструктивная)». Есть ещё одна фраза, зацепившая меня «Как и кого должно финансировать государство в изобразительном искусстве... и далее … Основное и значительное финансирование изобразительного искусства должна осуществлять государственная корпорация.» На мой взгляд, государство конечно должно быть заинтересовано в развитии изобразительного искусства, хотя оно менее мобильно в сравнении с эстрадой, кино, и даже театром в быстрой доступности к населению. Пойти на выставку (а они у нас проходят и много, и регулярно) в провинции народу сложно. В крае нет активной рекламы того, что делают учреждения культуры, я давно говорила, ещё, когда работала в выстав. зале, что рекламная политика культуры слабенькая, а по существу никакая. Все учреждения культуры пользуются только бесплатной рекламой (денег нет) и соответственно она мимолётная. Вот и от этого тоже страдает посещаемость музеев, театров и т.д. Сравните, какая реклама (её оббьем) во время «Ночи музеев»).И посещаемость превышает в три раза годовую. Тут замкнутый круг: нет рекламы, нет посещений, нет посещений, нет денег. Это второе.
А вот первое, на мой взгляд, это то, что Министерство культуры должно стать продюсером для всех представителе творческих профессий и учреждений культуры края. Именно оно должно находить спонсоров и других инвесторов в культуру Кубани – а оно ищет?!? Нет. Меняем директоров! «А вы друзья, как ни садитесь…». Один не лучше другого. Что изменилось в Выст. зале после Михайленко – ровным счётом ничего. Посадили человека дожить до пенсии и всё. А художник как стал не нужен с Пугачёвой начиная, так и не нужен. Ведь трудно пробиться провинциальным художникам, певцам, актёрам, поэтам, писателям в центр России - Москву, без соответствующей поддержки. Я считаю, что раскрутка должна быть здесь у нас в провинции. Когда-то мы, три искусствоведа Соловарь, Трошкова и я, начинавшие работать в новом учреждении - Выставочный зал, так мечтали и пытались это провести в жизнь, поддержать художников и сделать наш выставочный зал кузницей, открывающей таланты. Что-то у нас получалось. Многим дали старт. Не хватало продюсерского профессионализма, но первая в 90-х годах Молодёжка состоялась в Сочи для наших молодых художников Кубани за деньги, которые заработал Выставочный зал, мы. Замысел был таков, что и сделали: Зал зарабатывает и раскручивает художника, а вот вторую половину мы тогда не увидели – он (художник), естественно, из заработанных на его раскрутке средств, выплачивает затраты, которые понёс продюсер. Последнего не произошло, потому что мы тогда этого не видели. Но раскрученные художники начали хорошо зарабатывать и посредники стали зарабатывать, но не зал и его сотрудники. Если каждое учреждение займётся продюсированием и министерство культуры с ним вместе, то тогда Минестерству культуры не надо будет держать столько работников-статистов. В Канаде такое министерство состоит из 3 человек. Они занимаются именно продюсерской деятельностью. Не надо будет дербанить бюджетные деньги. Надо научиться зарабатывать господа! Об этом я и хотела поговорить год назад с Лапиной и предложить проект для раскрутки талантов нашей провинции. Со мной не захотели встретиться. А ведь моими проектами до сих пор пользуются люди, зарабатывают на них деньги, в том числе и Выставочный зал, а меня на мои же проекты не пускают. Но это личное.
А вот как настроить художников создавать произведения нужные народу, обществу, стране, государству с его политикой. Нужен государственные заказ. Таковой был и в царской России и в Советском Союзе. Вспомним, за лучшие произведения получившие золотую медаль в Академии художеств художник получал от 3 до 6-летнее пенсионерство в Италию! и должен был привезти произведение (картину) достойное затратам на его пенсионерство. К.П.Брюлов привёз «Последний день Помпеи». Суриков все свои работы сделал для государства. Перечислять? В Советское время работы закупались со всех выставок, любой тематики. И хоть С.Воржев неуважительно сказал о такой форме взаимодействия Государства с художником, но ведь никого силком-то не заставляли, хочешь пиши и участвуй, хочешь не пиши и не участвуй. Были выставки и с пространной тематикой. Тем более, в любой тематической выставке можно было выставить все жанры, во всех видах искусства - от натюрморта до тематической картины. И было что посмотреть!!!
А ведь гос. заказ всё-таки существует - это и в нашем крае происходит в скульптуре, установке памятников. Так почему же не в живописи, графике, и так далее. Ведь платят театрам за постановки спектаклей и каждому актёру за участие в этом спектакле. Оплачивают фильмы о Кубани, книги и многое другое. А что же с изобразительным искусством так немилостиво поступают?
Круглы стол на подобные темы нужно проводить не только в редакции (и ей спасибо), но в главном центре пропаганды искусства современных художников Кубани – в Краевом выставочном зале изобразительных искусств. И нужны встречи там же с художниками, искусствоведами и не только нашими, а приглашать из городов и весей. Может на таких встречах и проявились бы будущие руководители наших учреждений культуры!?!
ответить на комментарий
Елена Степура 05.08.2017 17:42
Поздравляю Нину Антоновну Стрижову с выходом в свет альбома "Мастера и муза. 25 лет вместе", с 25-летием творческого союза краснодарской Художественной галереи "Сантал" с кубанскими художниками и писателями!Сердечное спасибо Нине Антоновне за выставки, которые она организует, и за атмосферу доброжелательности для людей, влюблённых в искусство!
Мира и процветания "Санталу"!

Как это прекрасно, что есть галерея,
Где встреча с возвышенным нам удаётся,
Что Нина Антоновна – добрая фея,
А замок восторгов «Санталом» зовётся.

Пусть будут всегда эти встречи возможны –
Поэтов, художников дружба согреет,
Пусть творчества дом вдохновенье умножит,
И сердце хозяйки всегда молодеет!
ответить на комментарий
художница 05.08.2017 23:09
В наших организациях культуры боятся профессионалов. Причем, не только старых, но и молодых. В музее среди молодых сотрудников, кажется, искусствоведов нет, в выставочном зале тоже. Это при том, что в КУЛЬКЕ есть отделение теории и истории искусства. Но выпускников в музей не берут, а если и берут, то быстро выгоняют. Выгоняют потому, что специалисты себя ценят и хотят, чтобы и начальство к ним относилось хотя бы не хамски.
ответить на комментарий
Врач Кирилл 11.08.2017 17:57
Я побывал в Москве на Поклонной горе-в Центральном музее Великой Отечественной войны на выставке Владимира Яковлева и совершенно неожиданно пришел к мысли- "Искусство лечит социальную старость общества". Каждый врач, да и любой человек, знает, что часто старение организма сопровождается нарушением памяти, с увеличением возраста человека, но не в одном руководстве не описано старение памяти у целого общества и не говориться о социальной старости общества. А разве не такое явление мы наблюдем? Многие со мной не согласятся, но то, что мы забываем историю-это разве не наше старение? На вставке картин Владимира Яковлева меня привлекли две работы- триптих из серии "Обезглавленная Русь" и картина "Возрождение". Обезглавливание церквей, обезглавливание сознания, наций, государства, уничтожение прошлого, памяти. В итоге-трагедии разве не такую цепь событий мы наблюдали в России 20 века? Но, к счастью, не всё погубили. Разбудили оставшуюся память, стали восстанавливать храмы, но нанесённые раны залечивать ещё долго. Любовь к Родине, пронзающая боль художника за прошедшее и происходящее- вот, что я почувствовал. И по-большому счёту, все выставленные картины подчинены одной идее-возродить обезглавленную Русь. Художник, лечащий общество-так бы я охарактеризовал Владимира Яковлева
ответить на комментарий

В этом месяце:

Судейская «клюква» Хахалевой

3434 просмотров

Расходы на ЗСК явно завышены

970 просмотров

Пн Вт Ср Чт Пт Сб Вс
1 2 3 4 5
6 7 8 9 10 11 12
13 14 15 16 17 18 19
20 21 22 23 24 25 26
27 28 29 30

Сегодня: 18 Ноября 2017

все статьи месяца